programación noviembre 2011

 

 

Domingo 6, 16.30 / 18.30 hs. Pre-estreno:

incendies (idem, Canadá-Francia/2010). Dirección: Denis Villeneuve. Guión: Denis Villeneuve, sobre la pieza teatral de Wajdi Mouawad. Fotografía: André Turpin. Edición: Monique Dartonne. Música: Gregoire Hetzel. Elenco: Lubna Azabal, Melissa Desormeaux-Poulin, Maxim Gaudette, Rémy Girard, Abdelghafour Elaaziz, Allen Altman. Duración: 130 minutos.Calificación: apta para mayores de 18 años.

 

 

   Incendies, film de sobrecogedora potencia y vigoroso impacto emocional, apunta a una coyuntura en que colisionan la tragedia familiar, el drama personal acerca de los propios orígenes y los vestigios de un sangriento conflicto político-religioso en un imaginario país de Medio Oriente. Si éste no es identificado es porque el canadiense Denis Villeneuve prefiere abstraerse de la realidad histórica -un campo minado, según suele calificárselo- y aspirar a una dimensión mítica. Las atrocidades de las guerras civiles son las mismas; similares el odio que se retroalimenta, el encarnizamiento de la lucha entre fundamentalismos, las tragedias que viven los que son alcanzados por ellas, combatientes o no.

   El film, que promueve la reconciliación sin ahorrar crudeza en la descripción de los enfrentamientos, intenta descubrir el origen del odio concentrándose en un caso personal. La historia -tomada de una pieza teatral del canadiense de origen libanés Majdi Mouawad- ofrece el siempre eficaz formato de una investigación detectivesca, que en este caso se duplica porque por una parte avanza del presente hacia el pasado tratando de reconstruir una vida de la que poco se sabe y por otro, se asiste paralelamente a la descripción cronológica de los hechos tal como sucedieron: la terrible trayectoria de una mujer que ha sido víctima y también verdugo, que algunos se niegan a recordar y en otros ha dejado el recuerdo de su inagotable capacidad de resistencia y el canto con que se acompañaba en las largas jornadas de cárcel, interrogatorios y torturas

 

Domingo 13, 16.30 / 18.30 hs. Preestreno: 

La vitalidad de los efectos (La Merdittude Des Choses, Bélgica-Holanda/2009). Director: Felix Van Groeningen. Guión: Christopher Dirikx, Felix Van Groeningen. Fotografía: Ruben Impens. Edición: Nico Leunen. Música: Jeff Neve. Elenco: Kenneth Vanbaeden, Valentijn Dhaenens y Koen De Graeve. Duración: 108 minutos. Calificación: Apta para mayores de 16 años.

 

 

 

   En La vitalidad de los afectos , el cineasta belga Felix Van Groeningen (cuya anterior Steve+Sky se conoció aquí en DVD) cuenta una historia marginal, y lo hace como si él mismo fuese parte de ese mundo, es decir, más o menos en primera persona. No sabemos a ciencia cierta si es así, si está de alguna forma poniendo un espejo delante de un universo que le es familiar, pero sí se puede afirmar que no sólo demuestra calidad narrativa, sino, además, una sinceridad que conmueve, como si fuese una confesión de partes.

   En verdad, Van Groeningen adapta la obra autobiográfica de Dimitri Verhulst contada por Gunther, un escritor cuarentón que recuerda el inicio de su adolescencia en una familia patética junto a su abuela, su padre y sus tíos, personajes lamentables, groseros y alcohólicos.

La vida de estos seres discurre en una casa humilde, donde poco espacio le queda a este chico al que su entorno intenta hacer crecer de golpe, como si eso fuera posible cuando no existen reglas y las que sí aparecen no son precisamente muy pulidas.

 

Domingo 20, 16.30 / 18.30 hs. Pre-estreno:

Sin escape (Der Räuber, Alemania-Austria / 2009). Director: Benjamin Heisenberg. Guión: Benjamin Heisenberg, Matias Prinzi. Fotografía: Renhold Vornscheider. Intérpretes: Andreas Lust, Franziska Weisz, Florian Wotruba. Duración: 90 minutos. Calificación: para mayores de 16 años.  

 

 

   Viena sirve de escenografía real para una historia real (así anticipan los títulos), la de un corredor de maratones y ladrón, o un ladrón corredor de maratones, en ambos casos, un personaje al que las descargas naturales de adrenalina en cualquiera de sus dos actividades colocan muy arriba. Pero surge una pregunta inevitable: ¿hasta cuándo podrá seguir haciéndolo? Léase: ¿podrá tropezarse más de una vez con la misma piedra y salir indemne?

   El director austríaco Benjamin Heisenberg sabe cómo sacar partido de una historia verdadera para llevar adelante un ejercicio cinematográfico que sostiene la tensión de principio a fin, sin necesidad de echar mano a efectos especiales ni grandes despliegues. Todo lo contrario, su cámara se preocupa principalmente por seguir de cerca el personaje apodado por la prensa Pumpgun Ronnie, por su fusil y la careta de Ronald Reagan que lucía, tan bien interpretado por Andreas Lust.

   Nacido hace 36 años en Tubinga, Alemania, Heisenberg estudió en la Academia de Bellas Artes en Munich y en la Escuela de Cine de esa ciudad, fundó la revista de cine Revolver , que difundió en aquel país el Dogma 95, impulsado por Lars von Trier. Una década más tarde debutó en el largometraje con Dormido (2005) y cuatro años después con el film a propósito del auténtico Johann Rettenberger que recién ahora, y tras su aplaudido paso por el Festival de Berlín y el Bafici de 2010, llega al ciclo de Cine Arte MDP.

 

Domingo 27, 16.30 / 18.30 hs. Pre-estreno:

No se lo digas a nadie (Ne le dis à personne, Francia/2006). Dirección: Guillaume Canet. Con François Cluzet, André Dussolier, Marie-Josée Croze, Kristin Scott Thomas, Nathalie Baye, François Berléand, Jean Rochefort, Guillaume Canet. Guión: Philippe Lefebvre y Guillaume Canet sobre la novela Tell No One, de Harlan Corben. Fotografía: Christophe Offenstein. Música: M (Matthieu Chedid). Edición: Hervé de Luze. Duración: 102 minutos. Calificación:apta para mayores de 16 años, con reservas.

 

 

 

   El principal atractivo del film está en sus giros sorpresivos (quizá demasiados), conviene revelar muy poco de la anécdota. Apenas que el protagonista, un pediatra que perdió a su esposa ocho años atrás, aparentemente víctima de un asesino serial, recibe vía correo electrónico un mensaje que sugiere que la mujer, su amor desde la infancia, puede estar viva. Casi al mismo tiempo, la aparición de otros dos cuerpos en el lugar próximo a un lago donde se produjo el asesinato, deriva en la reapertura del caso y convierte al protagonista en sospechoso.

   En el complejo laberinto que se arma en torno del médico se mezclan desde la amiga y confidente que es a la vez pareja de su hermana; el suegro policía; dos investigadores que no le pierden el rastro; un político millonario; una abogada de prestigio; un hampón que, por gratitud, le ofrece protección con su pandilla y debe vérselas con otro grupo de matones profesionales; una perversa torturadora, etc.

  Canet transita por el género con llamativa autoridad (su relato tiene nervio y buen ritmo y es admirable la secuencia de la corrida por París), aunque a la historia de amor que está en el origen y le da sentido a todo el cuento le falta convicción y temperatura.

   El elenco -al frente del cual François Cluzet se luce en un papel exigente y físicamente agotador- es de lujo.

PROGRAMACIÓN OCTUBRE 2011

Domingo 2, 16.30 y 18.30 hs.
COPIA CERTIFICADA
("Copie conforme", Francia/Italia/Irán 2010) Dirección y guión: Abbas Kiarostami. Intérpretes: Juliette Binoche, William Shimell, Jean-Claude Carriere. Agata Natanson.  105 minutos. Apta todo público.
Festival de Cannes 2010: nominada a la Palma de Oro al mejor film; premio mejor actriz: Juliette Binoche.



    Abbas Kiarostami puede haber cambiado de escenario, -la Toscana en lugar de Irán-; de lengua -inglés, francés e italiano en lugar del familiar farsí-, y hasta de intérpretes -esta vez profesionales y con una estrella europea al frente-, pero sus preocupaciones son las de siempre.
    La condición inapresable (irrepresentable) de la vida, la aspiración de reflejarla que guía al cine, el difuso límite entre realidad y ficción y la concepción del arte como mentira para alcanzar una verdad, son algunas de ellas. Una sombra que aparece prueba la existencia del sol: él prefiere interesarse en las sombras antes que dirigir la mirada al sol enceguecedor.
   En las sombras, como en los reflejos o en las copias encuentra los medios para acercarse a las múltiples dimensiones de la vida. Y en este caso, para abarcar desde distintas perspectivas la fascinante introspección de una pareja (no importa tanto si ya lleva años o acaba de establecerse) sobre los distintos momentos del amor, el matrimonio, el deseo, la incomunicación, la imposibilidad de comprender (al otro, a uno mismo), y la posibilidad de renunciar a esa pretensión y aprender a vivir igualmente juntos.
   El juego que comienza (o termina) en medio del film y que conviene no revelar abre otros interrogantes y suma ambigüedad, pero ensancha las perspectivas de observación y en cierto sentido conduce a descubrir verdades de la pareja que trascienden la historia particular y cobran un alcance más universal.  El luminoso film de Kiarostami (realzado por la descollante labor de Binoche) tiene entidad propia y libera una rica variedad de contenidos y de bellezas que la mirada de cada espectador sabrá valorar.

 

Domingo 9, 16.30 y 18.30 hs. Pre-estreno Exclusivo:

UN AÑO  MÁS

("Another Year", Gran Bretaña 2010).Dirección y guión: Mike Leigh. Intérpretes: Jim Broadbent, Ruth Sheen, Lesley Manville, Oliver Maltman, Peter Wight, Imelda Staunton. 128 minutos.  Apta para mayores de 13 años.

Premio Amanda (Noruega 2011)  al mejor director: Mike Leigh.

  Cerca del final de Un año más , en otra muestra más de su dominio de la dinámica dramática, Mike Leigh propone una escena de franca violencia que irrumpe en medio de una gris tarde de funeral y con ella pone al descubierto, al mismo tiempo que las libera, todas las tensiones y ansiedades experimentadas por los personajes que hasta ese momento habían permanecido amortiguadas pero latentes bajo la superficie. El espectador lo vive con similar intensidad, resultado seguramente de la singular metodología de Leigh. Como se sabe, el gran cineasta de Secretos y mentiras construye sus guiones sobre la demorada exploración que hace con sus actores a partir de ciertas pautas generales, una búsqueda de la que resulta no sólo el espesor que gana cada uno de los personajes y su verdad interior sino una interacción que determina la propia estructura dramática del film y le confiere su incontrastable humanidad.

Tras la risueña y optimista La felicidad trae suerte, la mirada ha cambiado bruscamente a esta Un año más , cuyo tono queda claramente establecido desde la primera escena: la admirable Imelda Staunton, con la infelicidad y el desaliento pintados en el rostro, está en consulta con una asistente del servicio de salud: padece de insomnio y busca remedio en algún fármaco aunque probablemente sabe que su estado depresivo -o más que eso, su malestar existencial- no se cura con drogas. Ese momento, maravilllosamente interpretado como el film todo, basta también para conocer a Gerri, la mujer felizmente casada con un geólogo; son gente madura y serena a cuyo alrededor gira una ronda de amigos o familiares víctimas de la misma amarga desazón.

Con su esfuerzo, Gerri y Tom han escalado posiciones desde un origen modesto; ahora viven en paz y armonía, sin apremios económicos ni opulencias, tienen trabajos que los satisfacen...

 

Domingo 16, 16.30 y 18.30 hs.

VINCERE

("Vincere", Italia 2009). Dirección y guion: Marco Bellocchio. Intérpretes: Giovanna Mezzogiorno, Filippo Timi, Francesca Calvelli. 128 minutos. Apta mayores 13 años.
27 premios y 25 nominaciones en distintos  festivales internacionales. Mejor película de 2010 estrenada en Argentina, elegida por la redacción de la revista nacional  EL AMANTE cine.



   El notable director de El diablo en el cuerpo, La condena, La nodriza, La hora de la religión y Buenos días, noche consigue con Vincere una de las películas más potentes e inteligentes que se hayan hecho sobre el horror del fascismo, con todo su poder de seducción y manipulación, su integrismo, su violencia y su crueldad.
Bellocchio evita los lugares comunes de las épicas históricas y las caricaturas de las biopics convencionales para construir una película íntima y grandilocuente, poética y política a la vez. Vincere no es una obra perfecta (no pretende serlo) ni del todo redonda, y hasta puede pecar por momentos de excesiva y agotadora, pero así y todo es una experiencia que se acerca bastante a lo sublime, con una vibración, una ferocidad y una audacia (estética, narrativa, temática) que el cine contemporáneo parecía haber perdido.
    El film, construido con una enorme convicción y talento apelando a un tono casi operístico, arranca en el período previo a la Primera Guerra Mundial (la acción va y viene entre 1907 y 1914), cuando un joven Benito Mussolini militaba en el Partido Socialista. En la impresionante escena de apertura, vemos al protagonista (gran trabajo de Filippo Timi) desafiando a Dios en un mitin. Más tarde, será expulsado de la organización por apoyar la participación italiana en el conflicto bélico.
Mientras tanto, Bellocchio recorre la creciente pasión con Ilsa Dalser (consagratoria interpretación de Giovanna Mezzogiorno), una mujer fascinada por su figura, que le financia de su bolsillo la edición del periódico Il Popolo d´Italia y con la que tiene un hijo, al que llaman Benito Albino. Pero durante su ascenso al poder -para no tener conflictos con sus aliados en la Iglesia- Mussolini la traiciona y la encierra en un neuropsiquiátrico durante más de 11 años, mientras el niño es enviado a un instituto.
Durante la segunda hora, el film coquetea por momentos con el melodrama más clásico y lacrimógeno (la performance de Mezzogiorno lo mantiene siempre vivo), pero el desenlace (con Timi ahora en el papel del desquiciado hijo de Dalser y Mussolini) vuelve a elevarlo a la categoría de obra maestra.

Domingo 30, 16.30 y 18.30 hs. Pre-estreno exclusivo:
EL HOMBRE QUE PODÍA RECORDAR SUS VIDAS PASADAS (Tio Boonmee)
("Uncle boonmee who can recall his past lives", Tailandia, Gran Bretaña, Alemania, Francia, España, Holanda, 2010). Dirección y guión: Apichátpong Weerasethakul. Intérpretes: Sakda Kaewbuadee, Matthieu Ly y Vien Pimdee. 114 minutos.  Apta mayores 13 años.
Festival de Cannes 2010: Palma de Oro a la mejor película. Festival Toronto 2010: mejor película extranjera.

 

 

    En la edición de Cannes 2010, el jurado presidido por Tim Burton le otorgó a esta nueva película del joven director tailandés Apichatpong Weerasethakul la consagratoria Palma de Oro, máxima distinción dentro del circuito de festivales. El premio fue reivindicado por los cinéfilos de todo el mundo y, claro, repudiado por aquellos que defienden películas más convencionales. Algo similar ocurrió durante el reciente Bafici.    No se trata de engañar aquí a nadie. Tampoco de pedir disculpas por exaltar a un director como Weerasethakul. Es cuestión de gustos, de formaciones, de sensibilidades: para quienes están acostumbrados a una progresión dramática más clásica (introducción-nudo-desenlace), a una trama que "explique" o "justifique" cada una de las situaciones que se plantean, es probable que El hombre que podía recordar sus vidas pasadas los desconcierte, y hasta en algunos casos irrite a más de un espectador.
  Sin embargo, para quienes tengan la suficiente amplitud de criterios, para quienes se dejen seducir y sorprender por la propuesta del talentoso realizador tailandés, el film regala una bellísima, fascinante, hipnótica y por momentos emotiva historia de fantasmas, espíritus que buscan la reconciliación, reencarnaciones, extrañas criaturas y mitologías milenarias que aborda con lirismo y sensibilidad el tema de la muerte con elementos propios del budismo.
Rodada en hermosos escenarios reales del norte de la convulsionada Tailandia, combinando lo real y lo fantástico, lo urbano y los elementos de la naturaleza más salvaje, la tradición y la modernidad.

PROGRAMACIÓN AGOSTO DE 2011

Domingo 7, 16.00 / 18.00 / 20.00 hs. Pre-estreno Exclusivo:
COSA VOGLIO DI PIU (Cosa voglio di più, Italia-Suiza 2010). Dirección: SILVIO SOLDINI. Guión: Doriana Leondeff, Angelo Carbone, Silvio Soldini. Intérpretes: Giuseppe Battiston, Alba Caterna Rohrwacher. 123 minutos. (AM 16 años).

   Cineasta sensible, fino examinador de lo que sucede bajo la superficie de la realidad, Silvio Soldini (Pan y tulipanes) aborda aquí un tema -el del adulterio- que de tan frecuentado ofrece pocos flancos para un acercamiento original y parece estar siempre a un paso del cliché. Con su mirada distante, casi documental, y su aspiración a cierta objetividad, Cosa voglio di più expone el caso de una pasión repentina e incontrolable que altera la vida de dos matrimonios de clase media, pero también procura echar alguna luz sobre los síntomas de una vaga insatisfacción, cierta desazón existencial propia de nuestro tiempo.
   Anna y Domenico (Alba Rohrwacher y Pierfrancesco Favino, ambos excelentes) son treintañeros y viven en una urbanización de los alrededores de Milán. Ella está casada con el bonachón Alessio, manso y siempre bien dispuesto; ambos trabajan y viven modesta pero cómodamente, rodeados de familia y amistades; están empezando a pensar en tener un hijo. Doménico, calabrés de origen, empleado de un servicio de catering, también está casado y en dificultades para mantener a su esposa y sus dos hijos. De todos modos, puede decirse que ambos, Anna y Domenico, llevan una vida razonablemente feliz. Quizás el problema esté ahí, en ese adverbio.
   Porque cuando Anna y Domenico se conocen -en una fiesta donde ella es invitada y él, camarero-, se enciende una primera chispa. La pasión está empezando a manifestarse y de poco sirve que el azar les dé la chance de detenerse una vez y pensar en el complejo futuro que se les avecina. Pueden más el deseo y la tentación de abandonarse a él, pero también pesan las mentiras, las culpas, el temor a ser descubiertos y a tomar decisiones definitivas. Tampoco pueden borrarse las obligaciones hacia seres queridos a los que no se quiere abandonar, el miedo a hacerles (y hacerse) daño. Y está también el problema del dinero, ya que sostener una doble vida no es para bolsillos flacos. El apetito por vivir una vida más intensa y más emocionante, en tales condiciones, es un espejismo que se agota en el breve paraíso de una visita a Túnez.

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Sabado 13, 19.00 hs. Función especial,  exhibición del  documental:

ROTAS CADENAS (Argentina, 2011).

Dirección y guión: Miguel Rodríguez Arias. 54 minutos.

  La revista Contexto Psicológico invita a la presentación del documental Rotas cadenas. Posteriormente a la proyección se realizará un debate con la presencia del Dr. Jorge Pellegrini y del director del documental Lic. Miguel Rodríguez Arias.

  Rotas Cadenas es un Documental sobre la revolucionaria transformación institucional implementada por el doctor Jorge Pellegrini en elHospital Psiquiátrico de San Luís, convertido desde 1994 en Hospital Escuela de Salud Mental mediante la completa externación, seguimiento y contención de los pacientes en sus casas o en hogares sustitutos. La película cuenta con los testimonios de Pepe Soriano, los doctores Diana Kordon y Juan Carlos Stagnaro,de Nuris Quinteros, de Esther Goris y del mentor de esta experiencia única, Dr. Pellegrini.

Sala Melany, San Luis 1750. Entrada libre y gratuita. Auspicia: Cine Arte Mar del Plata.

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Domingo 21, 16.00 / 18.00 / 20.00 hs. Pre-estreno Exclusivo:
COCINA DEL ALMA (Soul kitchen, Alemania 2009) Dirección: FATIH AKIN. Guión: Fatih Akin, Adam Bousdoukos. Intérpretes: Adam Bousdoukos, Anna Bederke, Moritz Bleibtrreu, Pheline Rogan. 95 minutos. (AM13 años).

    Después de la sombría Contra la pared y de la conmovedora Al otro lado , Fatih Akin cambia de registro, lo que no quiere decir que abandone del todo algunos de sus temas. Aquí también hay quienes buscan definir su identidad y encontrar su lugar en el mundo (o más bien defenderlo); quienes aprenden a reconocerse entre sus pares para desechar la soledad y sobreponerse a la hostilidad de afuera; quienes conviven como pueden en la mezcolanza de nacionalidades, lenguas y culturas típica del mundo globalizado.
    El tono, claro, es mucho más ligero; tanto que las dificultades, que se presentan a cada paso, no conducen al drama sino a la risa, y el ánimo con que se abordan las cuestiones de cada día es siempre celebratorio, aunque a veces lo que pase sea tan grave como la ruina económica, un desalojo intempestivo o la deserción de una novia que se fue a China por trabajo y terminó cambiando de pareja.
Nadie dirá que Cocina del alma es la mejor película del talentoso realizador germano-turco. Pero sí es posible afirmar que es la más divertida. Que a pesar de su apariencia caótica (un caos cómico, se entiende) está concebida con tanta escrupulosidad como sus obras anteriores. Que mezcla en sabias proporciones la gracia alocada, el calor humano, los personajes extravagantes, el ánimo optimista y la vitalidad de una screwball comedy . Y que buena parte de su encanto reside en la sensibilidad con que Akin recrea un modo de vida que conoció de cerca cuando, de joven, fue camarero, portero o disc jockey en locales nocturnos.
   Soul Kitchen es un boliche-galpón de la zona portuaria de Hamburgo, en torno de cuyo dueño –un inmigrante griego– se concentra una tribu heterogénea en la que caben desde una novia políglota hasta un chef fundamentalista y un hermano jugador que está en libertad condicional y al que conviene vigilar de cerca, además de una clientela que va y viene según se lo sugiera el menú y o el responsable de la música. El problema –uno de los muchos que tienen al protagonista siempre al borde del ataque de nervios– es que el futuro del local tambalea por culpa de la especulación inmobiliaria y de algún ex compañero rápido para los negocios y para aprovecharse de la credulidad ajena. El tema le da a Akin para bromear un poco con el suspenso y el policial.

Domingo 28, 16.00 / 18.00 / 20.00 hs. Pre-estreno Exclusivo:

TENGO ALGO QUE DECIRLES (Mine vaganti, Italia 2009). Dirección: FERZAN OZPETEK. Guión: Ferzan Ozpetek, Ivan Cotroneo. Intérpretes: Lunetta Savino, Iliaria Occhini, Nicole Grimaudo. 111 minutos. (AM13 años).
  Tommaso regresa a la casa familiar para heredar junto a su hermano  la empresa de su padre. Pero en realidad lo que quiere es confesar en público su homosexualidad. Lo hará en la cena, la misma noche de su vuelta… Ferzan Ozpetek dirige Tengo algo que decirles -horrible adaptación del original Mine vaganti-, comedia simpática y amarga en la que recupera parte de sus elementos temáticos y estéticos, diluidos con el paso del tiempo en una evolución filmográfica que sigue encontrando sus mejores trabajos en las ya lejanas edades de su iniciática El baño turco.
   El cineasta retoma la homosexualidad como temática central, sentando frente a frente a una familia acomodada pero, como es habitual, infestada de frustraciones, aspiraciones y sueños no cumplidos; el dinero no da la felicidad, sensación potenciada por el ultraconservador liderazgo familiar de un potente Ennio Fantastichini, cuyo reaccionarismo delatará la puerta de entrada del observador a un microcosmos plagado de excentricidad (Elena Sofia Ricci), nostalgia ruda pero encorsetada (Ilaria Occhini), aceptación forzosa (Bianca Nappi) y todo tipo de lastres emocionales que se contagian entre sí a lo largo de la historia. Son capas visibles de lo que ante todo queda como una correcta comedia coral con buenos actores y presupuestos y cuyo mensaje, más allá de su evidencia, cala como sentido testimonio de una realidad reconocible.
   Nada es imposible, y expulsar las verdades ante los seres queridos es más fácil que vivir en el silencio de una conciencia intranquila ─nos lo recuerdan también en la película─, aunque alcanzar la confianza necesaria para abrirse con total franqueza necesita de un camino no exento de trampas y dificultades. Sin torpezas reprobables y con el favor de su propia ligereza, es lo que cuenta Ozpetek. Y en eso no le falta razón.



Programacion JULIO 2011

Domingo 3, 16.00 / 18.00  / 20.00 hs. Pre-estreno Exclusivo:
EL HOMBRE QUE VENDRÁ (L' uomo che verrà, Italia 2009). Dirección: GIORGIO DIRITTI. Guión: Giorgio Diritti, Giovanni Galavotti, Tania Pedroni. Intérpretes: Maya Sansa, Eleonora Mazzoni, Claudio Casadio, Orfeo Orlando, Bernardo Bolognesi. 117 minutos. (AM 16 años).  El hombre que vendrá obtuvo varios reconocimientos como el Premio David de Donatello a la Mejor Película, el Premio del Público en el Festival de Bruselas y el Premio Especial del Jurado en el Festival de Roma.

      El hombre que vendrá, se recuerda la historia conocida como “la masacre de Marzabotto”, entre el 29 de septiembre y el 5 de octubre de 1944, en represalia por el apoyo de los campesinos a la resistencia italiana, soldados del ejército alemán, a cuyo mando se encontraba el SS-Sturmbannführer Walter Reder, asesinaron sistemáticamente a 770 civiles desarmados. Entre las víctimas hubo 45 niños menores de dos años, 110 niños menores de 10 años, 95 jóvenes menores de 16 años, 142 personas mayores de 60 años, 316 mujeres y cinco sacerdotes católicos. Sobre este episodio que sigue sacudiendo la memoria de los italianos (en el 2007 se llevó a cabo un juicio in absentia contra 17 presuntos ex miembros de las SS), el director boloñés Giorgio Diritti realizó El hombre que vendrá, una sobria reconstrucción del hecho filmada en los escenarios reales: Marzabotto y en las localidades cercanas de Grizzana Morandi y Monzuno, todas de la provincia de Bolonia.

Domingo 10, 16.00 / 18.00  / 20.00 hs. Pre-estreno Exclusivo:

HOME, ¿DULCE HOGAR? (Home, Suiza-Francia, Bélgica, 2008) Dirección: URSULA MEIER. Guión: Ursula Meier, Antoine Jaccoud, Raphaëlle Valbrune, Gilles Taurand, Olivier Lorelle y Alice Winocour. Thierry Spicher, Denis Freyd y Denis Delcampe.   Isabelle Huppert, Olivier Gourmet, Adélaïde Leroux, Madeleine Budd. 98 minutos. (AM 16 años). 

   Normalmente, la felicidad pende de un hilo muy frágil, de una casualidad desafortunada, de un encuentro o un quiebro de la vida insospechado (llámenlo crisis económica, si quieren). Nadie está a salvo de ello, ni siquiera aquellos que en su huida hacia delante hacen de su capa un sayo y crean su propio universo. La sociedad, señores, extiende sus tentáculos hasta límites insospechados y les encontrará allá donde estén. Así las cosas, la cineasta franco-suiza Ursula Meier  nos presenta su primer trabajo de ficción (previamente hubo buenos documentales y mejores cortos), Home, ¿dulce hogar?, la historia de una peculiar familia que vive feliz y en armonía en su casita de campo, aislada del mundanal ruido de la ciudad. Su único vecino es una autopista abandonada que utilizan a su antojo, bien como lugar de juego, bien como trastero. Hasta que la autopista se abre al tráfico y su remanso de paz se convierte en incesante trasiego de coches y ruido de claxon (metáfora de la sociedad de la que huyeron). 

Domingo 17, 16.00 / 18.00  / 20.00 hs. Pre-estreno Exclusivo:
LAS HORAS DEL VERANO (L' heure d'été, Francia, 2009). Dirección: OLIVIER ASSAYAS. Guión: Clémentine Schaeffer. Intérpretes: Juliette Binoche, Charles Berling, Jéremy Renier, Edith Scob, Dominque Reymond, Valerie Bonneton. 102 minutos. (AM 13 años).

Entre tres hermanos estalla un conflicto cuando su madre, albacea de la excepcional colección de arte del siglo XIX que perteneció a su tío, muere repentinamente. Sin embargo, no tendrán más remedio que limar asperezas y llegar a un acuerdo. Adrienne es en Nueva York una diseñadora de éxito, Frédéric es economista y profesor universitario en París, y Jérémie, un dinámico hombre de negocios asentado en China. Esta situación representa para ellos el fin de la niñez y de los recuerdos compartidos.

Assayas elabora una mezcla casi perfecta de humor y angustia, un trabajo magistral y lírico que mide la pérdida en términos prácticos y de evanescencia. A muchos films se les define como cautivadores; Las horas de verano realmente lo es.

Domingo 31, 19.30 hs. (únic.). Pre-estreno Exclusivo:
LA MENTIRA (Á l' origine, Francia 2010). Dirección y guión XAVIER GIANNOLI. Intérpretes: Gérard Depardieu, François Cluzet, Emmanuelle Devos. Vincent Rottiers. 130 minutos. (AM 13 años).

Domingo 24, 19.30 hs. (únic.)
MIS TARDES CON MARGUERITE (La tête  en friche, Francia 2010).  Dirección y guión: JEAN  BECKER. Intérpretes: Gérard Depardieu, Giselle Casadeus, Patrick Bouchitey. 82 minutos. (AT público)
     Germain (Gérard Depardieu) llega a describir a Margueritte (Gisèle Casadesus) como una anciana de apenas cuarenta kilos, tan frágil como una delicada figurita de cristal. Pero bajo esa quebradiza apariencia hay una persona todavía llena de vida, culta y muy curiosa, una apasionada lectora, algo que fascina a Germain, quien reconoce un tanto avergonzado que leer no es lo suyo.
A diferencia de otras personas que ha conocido a lo largo de su vida, Margeritte no se burla de su incultura, al contrario, lo anima al cambio y a buscar en la lectura aventuras y reflexiones apasionantes. Así que cada tarde los dos se sientan un rato en el mismo banco, delante de las mismas diecinueve palomas, y devoran libros juntos, a su manera; ella lee en voz alta y él cierra los ojos y se imagina las historias, viviéndolas intensamente, como si fueran películas en su cabeza.

    Ambientada en la Francia real y basada en la historia verídica de Paul Muller, un ex convicto que se hace pasar por jefe de una empresa constructora para supuestamente retomar los trabajos de extensión de una autopista. Esta iniciativa resulta salvadora para la economía del pueblo adyacente a la obra en el que Paul contrata a cientos de empleados. Paralelamente seduce a la alcalde del pueblo de la que termina enamorándose y se enfrenta a un gran dilema: ¿hasta cuando podrá sostener la estafa, la colosal mentira que ha montado?

    El film La mentira está basado en un hecho verídico pero no lo parece. Lo cierto es que la historia, si bien real, resulta increíble. El director supo explotarla con un dramatismo justo donde la misma sucesión de los hechos crea la tensión dramática que la película necesita sin recargarla de situaciones superfluas. Sin duda, una historia que necesitaba ser contada.

JUNIO 2011
 

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Domingo 5, 16.00 / 18.00 / 20.00 hs.
UN FERIADO PARTICULAR (IL pranzo di ferragosto, Italia 2009). Dirección: Gianni Di Gregorio. Guión: Gianni Di Gregorio y Simone Riccardini. Fotografía: Gian Enrico Bianchi. Edición: Marco Spoletini. Música:  Ratchev y Carratello. Intérpretes: Gianni Di Gregorio, Valeria De Franciscis, Marina Cacciotti, Maria Cali. Grazia Cesarini Sforza. 75 minutos. (ATP). Festival de Venecia ´09: premios: Luigi de Laurentiis, Pasinetti e Ismema. Bratislava ´09: premios: publico y mejor director. Londres´09: premio Satayajit Ray al mejor director. David Donatello ´09: mejor director. Premios del cine europeo: premio del público y al mejor guión. Sindicato Nacional Italiano del Cine: cinta de plata al mejor director.

    Difícil resistirse al encanto de esta pequeña historia ligera y sencilla que seduce por su verdad, su humor y su generosidad. Es una comedia italiana, italianísima, pero nada tiene de la ironía amarga, el grotesco o la intención satírica de Mario Monicelli, Dino Risi o Ettore Scola. Conserva, sí, el apego a la realidad que cultivó desde el principio el neorrealismo, la naturalidad sin artificios que aportan intérpretes no profesionales, la aproximación entrañable a sus criaturas, la mirada solidaria. Y claro, el humor. Un humor que se manifiesta no tanto en chistes o gags visuales como en situaciones.
    Está ya en la que pone en marcha la historia. Gianni, un soltero cincuentón que vive con su madre de noventa y tantos en un departamento romano y la cuida como a una nena ve convertirse su hogar, de un día para otro, en una minirresidencia para señoras mayores. No puede evitarlo. Tiene demasiadas deudas con el consorcio como para negarse a albergar a la madre del administrador cuando éste se lo pide. Son apenas un par de días, suficientes para que el hombre pueda aprovechar el feriado del 15 de agosto.                  Tampoco puede negárselo a su médico, amigo de siempre, que debe cubrir una guardia y no tiene con quién dejar a la mamá. Total, que la faena habitual se le multiplica por cuatro (también hay una tía inesperada) y la rutina de la casa se trastorna. Por fortuna es cariñoso y bien dispuesto y sabe cómo arreglárselas para mantener la armonía entre las ancianas, escucharlas, entretenerlas, dejarlas manifestarse, vigilar que tomen sus remedios y que no coman lo que no deben, sin perder nunca la paciencia. Cuando ésta tambalea, siempre hay una copa de Chablis para reponer energías.
    En su debut como director, Gianni Di Gregorio no hace sino sumar aciertos. El primero, la puesta, con una cámara que jamás se hace notar y sólo sale al exterior para registrar una Roma cotidiana, lejos de cualquier cliché. Otro, fundamental, la elección de las cuatro intérpretes no profesionales, cuyas edades van de los 85 de Marina (la que no renuncia a sentirse joven) a los 93 de Valeria, la dueña de la casa, que conserva modales y caprichitos de tiempos más prósperos). Mucho de sí mismas aportaron al guión estas damas entrañables con sus diálogos improvisados y al film con su fresca naturalidad. Di Gregorio, irreemplazable como Gianni, establece con ellas la complicidad afectuosa que se adueña del film entero sin ceder al sentimentalismo. Su lúcido retrato está hecho a pura sensibilidad, pero también con tanta delicadeza como para que cierta crítica al modo en que se trata a los ancianos -si se la quiere percibir- quede implícita.

Un feriado particular


trailer de Un feriado particularhttp://youtu.be/SzN2RPCZrjw

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Domingo 12, 16.00 / 18.30 hs.
LA CINTA BLANCA (Das weisse band, Alemania, Austria, Francia e Italia / 2009). Dirección y guión: Michael Haneke. Fotografía: Christian Berger. Montaje: Monika Willi. Intérpretes: Leonie benesch, Josef Bierbichle, Rainer Bock, Christian Friedel, Burghart Klaussner, Steffi Kühnert, Ursina Lardi, Susanne Lothar, 144 minutos. (AM13 a).
Palma de Oro a la mejor película en el Festival de Cannes 2009; premio mejor película otorgado por la FIPRESCI (Jurado de la Crítica Internacional, 2009); nominada mejor película extranjera al Oscar 2010; ganadora del Globo de Oro 2009, a la mejor película extranjera.
   Un niño desciende temerosamente paso a paso los peldaños de una vieja escalera. Poco a poco comienza a adentrarse en la oscuridad del pasillo. Su voz temblorosa pregunta por su hermana. Cada vez mas asustado recorre la casa débilmente en busca de algo o alguien que le ayude a abandonar el miedo. A abandonar ese malestar. Ese lazo blanco de pureza espiritual y religiosa que tanto fustiga su identidad...
Ésta, quizá una de las secuencias más espeluznantes de toda la filmografía del cineasta Michael Haneke, resume la totalidad de La cinta blanca (Das weisse Band, 2009), un filme que para nada debería de pasar desapercibido al espectador por mucha buena o mala fama que el realizador austriaco se haya ganado a pulso con su alabada y odiada filmografía a partes iguales.
   Una dura y pictórica fotografía en blanco y negro nos descubrirá los paisajes mas oscuros de la Alemania de comienzos de siglo en un pueblo similar en malestar popular a El bosque (M. Night Shyamalan
 2004) a través del que Haneke realizará su película mas tarkovskiana hasta la fecha. Mucho se habló tras su laureado paso por el festival de Cannes (Palma de Oro a la Mejor Película 2009) de la influencia del maestro sueco Ingmar Bergman en esta obra magna del año que acaba de dejarnos. Sin embargo las influencias del ruso Tarkovsky se hacen mucho mas evidentes con referencias paisajistas (Sacrificio,1986) o nihilistas (Stalker, 1979) que anteriormente solo habíamos podido intuir levemente en su apocalíptica El tiempo del lobo (2003).
   Excelentes críticas, referencias y premios. Sin embargo ¿Qué es lo que define indiscutiblemente a La cinta blanca como una obra maestra del cine moderno?    Entre muchos otros factores, Das weisse band puede considerarse como la gran obra del cineasta ya que el tempo narrativo que propone, por mucho que numerosos espectadores se empeñen en alegar lo contrario, fluye como un río. Un caudal de miedo, suspense, tensión e inseguridad en el espectador que eleva los cánones de ritmo cinematográfico a un in crescendo inabarcable por cualquier resolución de guión.
La cinta blanca

trailer de La cinta blancahttp://youtu.be/jesu2eDiwfU

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Domingo 19, 16.00 / 18.00 / 20.00 hs.
LA PIVELLINA(La pivellina, Italia 2009). Dirección: Tizza Covi y Rainer Frimmel. Guión: Tizza Covi. Fotografía:  Rainer Frimmel. Montaje: Tizza Covi. Intérpretes: Patrizia Gerardi, Asia Crippa, Tairo Carolo, Pierino Atzemi, Fabrizio Borri, Donald Crippa. 104 minutos. (ATP). Cannes ´09: label europa cine. Gijón ´09 (España): mejor actriz (Patrizia Gerardi) y premio Asturias a mejor película. Valdivia '09 (Chile): premio del público y mejor película.

    Este multipremiado film, modesto en su producción, noble y generoso en su espíritu y, sobre todo, genuinamente humanista es una joya rara en el cine de hoy. Aquí la emoción no depende de manipulación alguna, ni del impacto visual, ni de los golpes de efecto, ni de las apelaciones sensibleras: emana de la intensa verdad de los personajes, del calor humano y la solidaridad sin retórica que ellos cultivan, y también del rigor puesto por los realizadores en el retrato de sus experiencias. Fogueados en el documental, la italiana Tizza Covi y el austríaco Rainer Frimmel se internan en una pequeña comunidad de artistas errantes e introducen un elemento de ficción que opera como catalizador para observar, manteniéndose siempre cerca del mundo real, cómo son y cómo viven.
La historia inventada es la de Aia, una nena de 2 años que ha sido abandonada en un parque y es recogida por una pareja y un adolescente pertenecientes a una pequeña troupe de artistas de circo que se ha instalado a pasar el invierno con sus trailers y sus pocos animales en un alejado suburbio de Roma.
    La situación puede ser imaginaria, pero no se la ve (ni se la vive) como ficción fundamentalmente porque los personajes, el ambiente físico y social en el que se desenvuelven, sus hábitos cotidianos, sus sentimientos y sus alegrías simples son verdaderos. Cada uno se representa a sí mismo. Patti, una especie de Anna Magnani de pelo rojo, fuerte carácter y espíritu maternal; Walter, su marido, el alemán que es lanzador de cuchillos, entrenador de perros, payaso y forzudo, y Tairo, el adolescente que tras la separación de sus padres ha encontrado en ellos una familia sustituta. En medio del entorno precario (conviene aclarar que no hay aquí pizca de miserabilismo), de las tierras bajas, el clima hostil y los arduos trabajos que imponen tantas carencias, lo que se percibe es solidaridad, benevolencia y amor, un amor del que no hace falta hablar porque está en cada gesto.
    Esa atmósfera es la que espera a Aia (Asia Grippa, una criatura de gracia absolutamente irresistible), que más que protagonista termina siendo un poco espectadora porque lo que importa en la película no es tanto la pequeña historia de sus días en el campamento sino el retrato de un grupo capaz de transmitir su saber y sus valores, de afirmar su identidad y de preparar a sus hijos para el cambio, y acaso también para un nomadismo que no será necesariamente sólo geográfico. Detrás de ese retrato, del tema del abandono y de la sensible aproximación al nacimiento del amor maternal y de los afectos sobre los que se construye una familia de veras (aunque sea una tan heterodoxa como ésta), hay una sutil observación del cuadro social. Los realizadores trabajan casi continuamente con la cámara en mano, lo que incide en el acercamiento afectivo hacia los cuatro personajes. Todos, por cierto, inolvidables.
La pivellina
 
trailer de La pivellinahttp://youtu.be/dMY-lUW-Zz8

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Domingo 26, 16.00 / 18.00 / 20.00 hs.
VILLA AMALIA
 (Villa Amalia, Francia 2009). Dirección: Benoìt Jacquot. Guión: Benoit Jacquot y Julien Boivent, basado en la novela de Pascal Quignard. Fotografía: Caroline Champertier. Música: Bruno Coulais.  Montaje: Luc Barnier- Intérpretes: Isabelle Huppert, Jean-Hugues Anglade, Xavier Beauvois, Maya Sansa, Clara Bind. 94 minutos. (AM 13 a.).  Ganadora de varios premios en los festivales de London Film Festival, Karlovy Vary, Vancouver International Film Festival, Festival des Films de Monde de Montreal y San Francisco Film Society y nominada al Goya 2011, mejor película europea.

    Hartazgo, insatisfacción, incomodidad existencial son algunas de las razones que empujan a la protagonista del film a desaparecer de su vida previa para empezar una nueva, en una isla del Mediterráneo que trae el recuerdo de La aventura, de Antonioni.

   Se acabó”, dice Eliane a poco de comenzado el film. Y su decisión no podría ser más drástica. No se trata de que viera a su pareja, con el que lleva conviviendo quince años, besándose con otra mujer. No, ella misma lo reconoce. Si fuera solamente eso, sugiere, sería una banalidad. Se trata –aunque nunca se enuncia– de algo más profundo: de un sentimiento indeterminado pero muy intenso, una sensación de hartazgo, de insatisfacción, de incomodidad existencial. Villa Amalia, la quinta colaboración del excelente cineasta francés Benoît Jacquot con Isabelle Huppert, es la historia del salto al vacío de su protagonista, de su ruptura con los lazos que la atan con el mundo para emprender una vida nueva, sin compromisos de ningún tipo, sin otro futuro que el más inmediato presente.

   Basada en una novela de Pascal Quignard (el autor de Todas las mañanas del mundo), Jacquot ha hecho un film que no tiene, en apariencia al menos, nada de literario. Por el contrario, la puesta en escena es reina, las palabras escasean, las explicaciones huelgan. Al comienzo, el montaje es ríspido, los paneos de la cámara son como bofetadas y los cortes son tan abruptos como las decisiones de la protagonista. Un encuentro fortuito con un viejo amor de juventud (Jean-Hugues Anglade) la empuja a definirse, pero no necesariamente para volver atrás, sino para impulsarse hacia adelante. “Quiero desaparecer”, dice. Y quema todo, sin contemplaciones: cartas, fotos, partituras... A su paso sólo queda tierra arrasada.
    Ella, compositora y pianista famosa, no duda en dejar un concierto por la mitad, en plantar al público, en abandonar los contratos y las giras. A partir de entonces, Bélgica, Alemania, Suiza, Italia pasan por su vida –en tren, en bus, a pie– con la misma rapidez con que ella se desprende de todo su equipaje, hasta viajar casi apenas con lo puesto, sin lastres de ningún tipo. Cambia no sólo de corte de pelo, sino también de horizonte. Y reemplaza un mar por otro: del melancólico gris de las playas de Bretaña, donde se apaga la vida de su madre, pasa al azul profundo del Mediterráneo, una isla del sur de Italia en la que encontrará su nueva morada, Villa Amalia, un refugio tan inaccesible como ella misma.



Villa Amalia

trailer de Villa Amalia

http://youtu.be/yO099QUG3TY

MAYO 2011   4 Preestrenos exclusivos   Domingo 8, 16.00 / 18.30 hs. Preestreno exclusivo: BAARIA, LAS PUERTAS DEL VIENTO. (Baaria, Italia/Francia 2009). Dirección y guión: GIUSEPPE TORNATORE. Fotografía: Enrico Lucidi. Música: Ennio Morricone. Intérpretes: Enrico Lo Verso, Angela Molina, Francesco Scianna, Raoul Bova, Margarethe Made, Mónica Bellucci. 150 minutos. (AM 16 a.)     De héroes anónimos, obligados a cruzar un paseo de monstruosas gárgolas y esperpentos políticos, habla la película. Suerte de Amarcord (ese mosaico de oníricas, surrealistas y divertidas anécdotas enmarcadas en un mismo escenario: el pueblo devenido ciudad) que se va impregnando más de desencanto que de nostalgia, Baarìa, Las puertas del viento  también puede verse como un apéndice o respuesta (asimismo desencantada) a la grandilocuente Novecento de Bernardo Bertolucci. Podrá decirse que la ideología en Tornatore es más de derechas, pero lo cierto es que únicamente es crítica con las traiciones y decepciones de una izquierda italiana (el comunismo y cómo lo vive el protagonista). Y es que lo político no es importante en un film que homenajea explícitamente al Tres hermanos de Rossi: es el cine como metáfora de Italia.   Con mayor fortuna que en Cinema Paradiso, el mundo del séptimo arte discurre en paralelo (o en ese zig-zag alegórico de los niños perdidos en el tiempo que cierra, cual sueño felliniano, la película) a la vida: neorrealismo, comedia (con Alberto Lattuada apareciendo en la acción), denuncia social, introspección antonioniana, mafia, padres y patronos de los Taviani, erotismo setentero (el cameo de Mónica Bellucci) y contenida rabia académica propia de Ettore Scola. Baarìa, Las puerta del viento casi sería, pues, la gran película de la cinefilia italiana, pero lo que sí es seguro es la mejor película de Giuseppe Tornatore.      Baaria, las puertas del viento Domingo 15, 16.00 / 18.00 / 20.00 hs. Preestreno Exclusivo: MOMENTOS QUE DURAN PARA SIEMPRE (Maria Larssons eviga ögonblick, Suecia 2009). Dirección: JAN TROELL. Guión: Niklas Radstrom. Fotografía: Jan Troell.  Intérpretes: Jesper Christensen, Mikael Persbrandt, Maria Heiskanen.125 minutos. (AM13 a.).   Hacia fines del Siglo XIX y principios del XX Suecia no era un paraíso para todos. Los emigrantes suecos aumentaron considerablemente, situación que se sostuvo hasta el estallido de la Primera Guerra Mundial, las condiciones de vida extremadamente difíciles, una pobreza imposible de sortear para ciertas capaz sociales y la eterna difícil posición de la mujer en un mundo de desigualdad son el marco de esta bella historia. El rol/lugar de la mujer que juega María Larssons, interpretada por María Heiskanen quien ganó Espiga de Oro de la 53 Semana Internacional de Cine de Valladolid (Seminci),es colocado aquí en el difícil micro universo familiar en el que sobrevivir se hace cuesta arriba, tolerando a un esposo alcohólico y la crianza de varios niños.      Una cámara fotográfica ganada en la lotería de la que María está dispuesta a desprenderse, es el eje metafórico del film. María no la venderá a expensas de los argumentos de alguien que entiende que ella posee un modo de mirar para el cual el aparato será de gran valor.    Lo que está en juego en todo el film es esa cosa extraña que es la mirada de quien no sólo intenta perpetuar el instante en que un gesto acaece, sino lo modos en que una sociedad mira a esa persona. Ese artefacto capaz de inmortalizar cualquier momento será el amparo de una mujer que deberá sacrificar todo por esos mandatos que imperaron y aún imperan en algunas sociedades. De modo tal que jamás dejará a su esposo quien a su modo la ama, aunque esa manera  de amar no complete ni entienda las necesidades de ella. Sacrificará además su amor virtuoso y espiritual por alguien que sí sabe qué necesita María  y será factor de cohesión de una familia cuya historia casi en clave de gesta pequeña es contada por la mayor de sus hijas, Maja, que aparece como voz en off para reponer la historia que se vuelve grande. Nada más ni nada menos que la historia de una mujer que fue capaz de soportarlo todo mientras, de a ratos, pudiera seguir mirando.       Momentos que duran para siempre Domingo 22, 16.00 / 18.00 / 20.00 hs. Preestreno exclusivo: YUKI & NINA (Idem, Francia/Japón 2009). Dirección y guión:  HIPPOLYTE GIRARDOT y NOBUHIROSUWA. Fotografía: Josée Deshaies. Intérpretes: Marilyne Canto, Hippolyte Girardot, Noë Sampy, Arielle Moutel, Tsuyu. 92 minutos. (AM13 a..),    Se anuncian las vacaciones y Yuki sigue sin saber lo que sus padres quieren anunciarle sin atreverse a hacerlo. Pero ella se despreocupa y se pasa la mayor parte del tiempo en compañía de Nina, su amiga del alma. Un buen día, Yuki sorprende a su madre en plenos preparativos de algo incomprensible para ella hasta que la niña acaba por entender que sus padres están a punto de separarse. Eso supone que tendrá que irse a Japón con su madre y abandonar su vida actual, empezando por Nina... Le invade la ansiedad, las dudas, la incomprensión: la niña aprende lo que es sufrir. Entonces, su amiga y ella intentan urdir algo para que sus padres se reconcilien. Pero acaban comprendiendo que la única solución sería fugarse. Deciden desentenderse de la realidad que les confronta a ese conflicto entre los adultos y refugiarse en el mundo irreal y misterioso del bosque. Se ponen a caminar, tienen sed,  Yuki sale sola en busca de agua. Se dirige hacia una luz que brilla al fondo del bosque, una luz que le conduce hasta Japón… Al final del viaje, los padres observan que su hija ha vuelto mucho más fuerte y segura de sí misma. Yuki & Nina Domingo 29, 16.00 / 18.00 / 20.00 hs. Prestreno exclusivo: HADEWIJCH, ENTRE LA FÉ Y LA PASIÓN ("Hadewijch", Francia 2009). Dirección y guión: BRUNO DUMONT. Fotografía: Yves Cape. Montaje: Guy Lecorne.  Intérpretes: Julie Sokolowski, Kari Sarafidis, Yassine Salime, David Dewaele Michelle Ardenne,  Brigitte Mayeux-Clegert. 120 minutos. (AM13 a.)       Acostumbrados como nos tiene a tratados herméticos sobre el costado humano más violento y sórdido, Bruno Dumont tuerce el rumbo con Hadewijch. El más bressoniano de los cineastas franceses actuales construye varias películas en una: un estudio sobre el choque entre los resquicios del mundo medieval y la velocidad del mundo contemporáneo, una mirada sobre la Francia (des)integrada por la inmigración desde países islámicos y la historia de Céline, mitad Mouchette, mitad Juana de Arco con residencia en la Île de France. Hay que admirar la desmesurada ambición de Dumont, que encuentra en Céline el personaje desencadenante cuyo erótico amor por Dios conecta a las más disímiles temáticas. Lo que separa, parece decir, es la religión, pero lo que une es la fe; alejado del cinismo actual sobre la idea de dios y buscando en la estetización radical el poder epifánico del cine, Dumont hace una película teológica, y firma sin dudar que las bombas, el sufrimiento, el racismo y la intolerancia no pueden doblegar la intensidad de la vida espiritual. Cine fundamentalista, sí, pero que más que estallar implota.    Cuando Hadewijch , la última obra de Bruno Dumont ( La vida de Jesús, La humanidad ), se proyectó en la competencia de San Sebastián, recibió más silbidos que aplausos. Sin embargo, quienes conocen y admiran a su director quedaron perplejos, sacudidos, casi sin palabras. Para ellos se trató, sin dudas, de un film tan ascético como sublime y que a pesar de seguir una historia que puede ser explicada de forma racional lo esencial es espiritual. Eso es lo que transmite Celine-Hadewijch (interpretada por Juliette Sokolowsky), la muy joven hija de un ministro francés sumida en el amor a Dios de manera absoluta, separada del convento en donde aspiraba convertirse en monja, que se une a un joven palestino (Yassine Salim), fanático practicante, y al grupo terrorista islámico liderado por el hermano de éste. Hadewijch, entre la fé y la pasión